Bernard Sobel apresenta A Pedra

O encenador Bernard Sobel apresenta A Pedra, produzida para o theatre de la Colline, Paris.


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A PEDRA iniciou ensaios

Uma história alemã com seis habitantes de uma casa em Dresden.

A história da casa é a história da Alemanha: lidando com a terrivel culpa do nazismo, a raiva do bombardeamento de Dresden, as privações do sector Leste em oposição às do Ocidente, todos se reflectem na Pedra.

Mulheres Profundas / Animais Superficiais de Howard Barker

« Entendo por dignidade a perspectiva de uma terrível indecência »

Howard Barker

Porto

De 09 de Junho a 04 de Julho no Estúdio Zero

Terça a Sábado às 21h45

Domingo às 17h00

M/16

Mulheres Profundas/Animais Superficiais

de Howard Barker

Tradução│ Paulo Eduardo Carvalho

Encenação│ Rogério de Carvalho

Assistente de Encenação│ Ricardo Couto

Dramaturgia│ Rogério de Carvalho, Boas Raparigas, Ricardo Couto

Apoio ao movimento│Joana Providência

Cenografia│ Cláudia Armanda

Desenho de Luz │ Jorge Ribeiro

Sonoplastia│ Luís Aly

Figurinos │ Bernardo Monteiro

Assistente de Figurinos │ Ana Novais

Design Gráfico│Sandra Nicolau

Elenco│ Carla Miranda, Maria do Céu Ribeiro, Miguel Eloy

SINOPSE

Duas mulheres. Um cão mecânico. Depois de uma mudança, uma revolução, uma guerra.

Estas duas mulheres estão num espaço queimado, onde toda a vida desapareceu.

Card era criada de Strassa antes desta ‘alteração’.

A antiga criada veste traje rigoroso. A antiga senhora em roupas rasgadas, destruídas pela mudança.

Agora que as relações de poder foram varridas, o desejo pode aparecer. O desejo do marido de Card (existe ele?) por Strassa pode reconhecer-se e tornar-se o centro da relação delas.

Aos pés de ambas um cão mecânico. Ele ladra, ele mia, ele levanta uma pata, ele sai, ele entra, ele prende e leva peças de roupa.

Card e o cão tornam-se os advogados do marido junto de Strassa.

Card pelas suas palavras, o cão pelos seus movimentos, pedem a Strassa que se encontre o marido.

Mas não é o desejo secreto entre as duas mulheres que é o centro deste texto? Não é a descrição de um mundo de onde os homens teriam desaparecido?

MULHERES PROFUNDAS / ANIMAIS SUPERFICIAIS

Howard Barker que refuta fazer um teatro político aborda a política por esta revisitação dos benefícios do poder nas relações criada-senhor que já foram abordados no teatro clássico e que passam aqui pela possessão do corpo. Ele aborda igualmente o erotismo sádico e a sua interdependência com uma sociedade regulamentar e hierarquizada segundo a análise de Michel Foucault. Por algures, nesse opus, onde se situa a realidade? Não nos encontramos numa cerimónia ritual à maneira de Jean Genet em "As criadas" ou mais prosaicamente num jogo de papéis catárticos em redor de um cenário erótico funesto? O cão mecânico, muito evidentemente um emissário do desejo do homem invisível, já não será um cão, mas o simétrico do pássaro autómato de "Casanova" de Fellini, símbolo da realização sexual masculina? Não ataca Howard Barker o mito do sexo?

AUTOR

Howard Barker

Howard Barker nasceu em 1946 em Dulwich. Artista polimorfo, exprime-se igualmente bem através da escrita, da pintura e da poesia. A sua primeira peça foi produzida no Royal Court em 1970 quando, juntamente com Caryl Churchill, Howard Brenton e David Hare, ele foi visto como parte de uma mão repleta de jovens dramaturgos promissores de peças políticas com uma agenda progressista nos palcos britânicos. Ao contrário dos seus parceiros, no entanto, Barker não cresceu para a popularidade, e isto deve-se em parte à difícil ‘marca’ frequentemente usada para caracterizar as suas produções pelos críticos londrinos. Mesmo com esta resistência, ele cultivou um corpo de trabalho que lhe deu outra reputação: a de dramaturgo dos actores. Quando os palcos do Royal Court e da Companhia Royal Shakespeare já não acolhiam as suas obras, em 1988, actores de ambas as companhias criaram a Wrestling School, uma companhia de teatro devotada exclusivamente à encenação das suas peças. Nesta altura a sua dramaturgia abandonou o impulso ideológico e didáctico do seu trabalho inicial. Como os críticos falharam ou se recusaram a acompanhar esta mudança, em 1986 Barker começou a escrever textos teóricos em notas de programa, artigos de imprensa, e seminários, antes de os reunir num volume Arguments for a Theatre em 1989, expandido com edições subsequentes em 1993 e 1997. Desenvolveu a Teoria do “Teatro da Catástrofe “que se dirige a todos aqueles que sofrem de uma ‘imaginação deficiente’ e que sentem um ‘desejo desarticulado de especulação moral’. Aos 64 anos tem uma obra de quatro dezenas de peças, um libreto de ópera,

argumentos para cinema e televisão. A sua peça de quinze horas The Estatic Bible em 2000, a sua revisão de Elsinore e o mito de Hamlet com Gertrude – The Cry em 2002, e a Seduction of Almighty God em 2006 prova a sua visão trágica tão afiada como sempre, com um corpo de trabalho que é avassalador na sua respiração e profundidade.

Demasiado clássico para a vanguarda, demasiado vanguardista para o teatro estabelecido, Barker continua por classificar-se a si mesmo.

“Nestes tempos – diz ele – em que o sofisma predilecto da indústria e do divertimento é fazer de conta que os doidos deprimidos têm sede de canções e de esquecimento”, o seu teatro vai em direcção oposta e inverte toda a verdade manifestada. O seu teatro nem é o lugar da reconciliação, nem o da consolação, não tem por fim a solidariedade, dirige-se sim à alma “onde ela sente a sua própria diferença”.

Descrito pelo Times como um dos “maiores dramaturgos vivos do Reino Unido”, Barker mostra trabalho como encenador com uma estética distintamente europeia, no seu tom abstracto, visualmente não naturalista, que contribui directamente para a expressão e objectivo do seu trabalho.
Ideias poéticas, poderosas e provocatórias e um imaginário vívido criam uma interessante e nova forma teatral. Barker desafia as preocupações do teatro contemporâneo britânico, com temas sócio-políticos e um teatro físico capaz de manter a linguagem poética no coração do teatro.

A companhia de Teatro As Boas Raparigas, levou à cena quatro dos seus textos, dos quais três se apresentaram agora editados pela Companhia em parceria com a editora Temas Originais: As Possibilidades, (Tio) Vânia e Mãos Mortas.

Estúdio Zero - Rua do Heroísmo nº 86 Porto.

Informações e reservas │225 373 265│961 487 507 │asboasraparigas@gmail.com

MEDEIA a partir de Eurípides

Creditos: As Boas Raparigas

“Sei que crimes vou cometer, mas a cólera é mais forte que minha vontade.”

Medeia

Porto
1º Fase da Carreira
De 10 a 26 de Julho no Estúdio Zero
Terça a Sábado às 21h45
Domingo às 16h
2º Fase da Carreira
De 18 a 30 de Setembro no Estúdio Zero
Terça a Sábado às 21h45
Domingo às 16h
M/12

MEDEIA
a partir de Eurípides

Encenação│ Luís Mestre
Tradução│ Maria Helena Pereira
Cenografia│ As Boas Raparigas e Luís Mestre
Design de Luz│ Joana Oliveira*
Sonoplastia│ Luís Aly
Figurinos │ As Boas Raparigas
Elenco│
Carla Miranda
Daniel Pinto
Maria do Céu Ribeiro
Nuno Cardoso


*Aluna em Prova de Aptidão Profissional do Curso de Luz, Som e Efeitos Cénicos da Academia Contemporânea do Espectáculo

Sinopse

Medeia, princesa da distante Cólquida, (hoje Geórgia) descendente do Sol, apaixonada por Jasão, traiu a sua família e abandonou a terra natal, auxiliando o seu amado e a expedição dos argonautas a conquistarem o velo (pêlo de carneiro) de ouro. Quando, anos mais tarde, depois de terem constituído família e se terem instalado na Grécia, Jasão anuncia que pretende desposar uma princesa local para aumentar o seu prestígio e influência, Medeia, para vingar o ultraje de Jasão, serve-se da astúcia e de conhecimentos mágicos, e arquitecta o assassinato da noiva e de seus próprios filhos.

Medeia

Com o poeta Eurípides, a tragédia grega ganhou novos elementos. Eurípides soube pintar as paixões humanas como nenhum dos dramaturgos gregos anteriores. Em Medeia (431 a.C.), apresentou o retrato psicológico de uma mulher carregada de amor e ódio. Medeia representa um novo tipo de personagem na tragédia grega: esposa repudiada e estrangeira perseguida, ela revolta-se contra o mundo que a rodeia, rejeitando o conformismo tradicional. Tomada de uma fúria terrível, mata os filhos que teve com o marido, para se vingar dele. É uma das figuras femininas mais impressionantes da dramaturgia universal.


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Estado Crítico

As críticas teatrais de Jorge Louraço Figueira no jornal Público - e não só!

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« Pecadilhos no chá das cinco [SEIVA]

O som dos tacões no soalho do teatro [BOAS]

Persona, de Ingmar Bergman, pel’ As Boas Raparigas

Porto, 2 de Outubro

Persona, o filme, é célebre por se referir ao próprio acto de filmar. Quando uma das duas personagens (ou metade de uma única) espeta o pé num vidro deixado pela outra, a fita acaba por queimar, dando lugar a fantasmas de cinema, como se o ferimento ficcional tivesse originado uma coisa infilmável. Em momentos cirúrgicos, a ficção é cortada, e o realizador lembra que se trata de um faz-de-conta. Um faz-de-conta de inspiração psicanalítica, claro, mas mesmo assim um faz-de-conta.

Em palco, é mais fácil recordar às pessoas que se está apenas a fingir. Basta o toque-toque dos tacões da menina no soalho para nos lembrar que afinal estamos no teatro. As revelações ou os picos de tensão de uma peça podem bem ser sublinhados por todo o tipo de coisas que nos chame de volta para a realidade, quando já pensávamos estar a salvo dela, num mundo de fantasia.

A encenação desta Persona para palco optou por não almofadar as solas de um dos pares de sapatos, dispensando o truque. Neste caso, o som dos saltos altos é usado para assinalar a inversão de papéis das personagens, ao mesmo tempo que afirma a materialidade incontornável dos corpos das actrizes. Há outros marcadores de que estamos num palco, o principal dos quais é o uso de uma cortina, aberta depois das primeiras cenas e fechada antes do ataque final. Esta e outras convenções, denunciadas com gosto, são usadas como trunfos da teatralidade: cada gesto desperta os sentidos, em especial o instinto espacial que, no cinema ou na literatura, costuma estar bem mais adormecido.

Mas o que desestabiliza a leitura, e incita o espectador a procurar significados ocultos, são os pequenos gatos escondidos com o rabo de fora. (Os passos na rua; a porta aberta para o pátio; o televisor com as palavras em sueco.) A figurinista, de cujo trabalho gosto em particular, faz maravilhas com os trapos. A presença dos corpos é tão ameaçadora como sedutora, revelando a pele das actrizes, mais trigueira, uma, mais láctea a outra. A montagem, que parecia mais difícil de reproduzir, por ser forma específica do cinema, foi incorporada neste espectáculo graças à agilidade no uso dos figurinos, adereços e cenário, e às diferentes atmosferas da iluminação, que ritmam uma espécie de mudança de planos. Assim, dá gosto ir ao teatro.

Esta fábula foi a melhor maneira de Bergman desabafar, rompendo o mutismo do ficcionista perante o olhar do garoto no gueto judaico de Varsóvia ou a serenidade do monge vietnamita imolando-se pelo fogo. A foto do Gueto e a filmagem do Vietname transcendem o mero noticiário, é óbvio, e representam o horror de modo arquetípico, ou não teriam lugar no guião de Persona, cuja metáfora é a divisão de personalidade entre a horrível verdade e a cara que mostramos. O apego de Vogler à verdade fá-la renunciar à fala, na impossibilidade de ser verdadeira perante o horror. Mas a que horror corresponde a resposta d’ As Boas? Que actos sanguinários são ocultados por máscaras de palavras? Privada da sua relação (metafórica) com episódios históricos exemplares, a revelação, por parte da mãe, do asco que tem pelo filho, perde a grandeza que nos horrorizaria até cairmos no mutismo, qual Electra do século XXI.

Persona de Ingmar Bergman

“Persona é o conhecimento, um terrível conhecimento sobre a nossa solidão, a nossa singularidade. A nossa capacidade de tocar um ao outro. É uma confissão dos nossos medos. Do homem, do fracasso, da morte. Persona é um drama sobre o desespero, o silêncio. Um terror indescritível da vida em todos os aspectos. É um drama sobre a sensibilidade da pele, dos rostos e das palavras não entendidas. Persona é uma ilusão estilhaçada. Uma vitória sobre o silêncio.“

Texto do trailer de Persona

Encenação│ João Pedro Vaz
Tradução│ Armando Silva Carvalho
Cenografia│ Cláudia Armanda
Design de Luz│ Nuno Meira
Sonoplastia│ Luís Aly
Figurinos│ Catarina Barros
Elenco│Maria do Céu Ribeiro e Sandra Salomé

Persona, Suécia, 1966 – Guião de Ingmar Bergman

Sinopse

A actriz Elizabeth Vogler deixa de falar durante uma representação teatral de Electra. O seu mutismo em relação aos que a rodeiam é total, sendo então internada numa clínica. Não está doente, simplesmente optou pelo silêncio. Alma, uma jovem enfermeira, fica encarregada de tratar dela. Quando, a conselho médico, as duas se isolam numa ilha, passam a desenvolver uma intimidade e cumplicidade crescentes. Com isso estabelece-se uma constante troca de identidades.

Persona

Obra impregnada do conceito de pecado e principalmente da culpa, Persona é fiel aos temas recorrentes das obras de Ingmar Bergman. Em Persona, é visível a submissão do autor ao estilo a que ele sempre recorreu: a temática bastante densa e sempre pessimista, com poucos personagens, vivendo situações de crise intensa em ambientes quase sempre claustrofóbicos, mesmo que o cenário seja a paisagem de uma ilha. Sabendo que com Bergman vida e obra são conceitos indissociáveis, assinala-se que o filme foi confessamente concebido durante um período de profunda crise do autor, quando este se encontrava hospitalizado devido a uma pneumonia e em período de questionamento da sua actividade como director do Teatro Nacional de Estocolmo. Como ele próprio afirma: "Era necessário, por conseguinte, escrever qualquer coisa que apaziguasse a sensação de futilidade que sentia, a sensação de estar a marcar passo." Da mesma forma, PERSONA deixa claro os momentos em que o artista se vê impassível ao observar que, mesmo contra o seu desejo, a sua arte acaba por ser inútil enquanto modificadora da realidade, impassibilidade essa que acaba por determinar o retiro e o silêncio constante de Elizabeth Vogler.

Cine Atila Francis 08/07/2008

Porto

De 24 de Setembro a 2 de Novembro no Estúdio Zero

Terça a Domingo às 21h45

M/16

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4.48 Psicose de Sarah Kane

"Estou a escrever uma peça chamada Quatro Quarenta e Oito Psicose. Tem semelhanças com Falta, mas é diferente. É sobre uma depressão psicótica. É o que acontece com a mente de uma pessoa quando as barreiras que distinguem a realidade das diferentes formas de imaginação desaparecem completamente. De maneira que já não consegues estabelecer a diferença entre a tua vida acordado e a tua vida em sonho. E também, não consegues – o que é muito interessante na psicose – não sabes onde é que tu acabas e o mundo começa. Por isso, por exemplo, se eu fosse psicótica, eu não sabia literalmente estabelecer a diferença entre mim, esta mesa e o Dan. Fariam todos parte de um continuum. E as diversas fronteiras começam a desabar. Formalmente também estou a deitar abaixo alguns limites. Continuar a fazer a forma e o conteúdo num só. Isso tem-se vindo a provar extremamente difícil e não vou dizer a ninguém como o vou fazer, por isso se algum de vocês chegar lá primeiro eu ficarei furiosa. Seja lá o que for que iniciei com Falta, desta vez vai um passo mais à frente. E para mim essa linha é muito clara e vai desde Ruínas através de O Amor de Fedra até Purificados e Falta e até esta agora. Para onde vai depois disso não tenho ainda a certeza."
Sarah Kane (Trad.: PM)

As últimas notas sobre dor, angústia mental, cáusticos relatos do uso terapêutico de drogas, escritos por Sarah Kane, vão estar em cena no ESTÚDIO ZERO, de 10 a 24 de Abril, tomando novamente fôlego para os dias 1 a 18 de Maio, de Terça a Domingo sempre às 21h45.


Encenação: Luís Mestre
Tradução: Pedro Marques
Cenografia: Pedro Novo
Design de Luz: Luís Mestre e Manuel Pereira
Elenco: Daniel Pinto e Maria do Céu Ribeiro

Estúdio Zero - Rua do Heroísmo,86 (Metro do Heróismo)

INFORMAÇÕES E RESERVAS

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